Při zmínce o secesním stylu se v paměti objevují bizarně zakřivené linie, absence pravých úhlů a náladové prolínání stonků, listů, květů a plodů, oživených hmyzem. To vše jsou charakteristické rysy květinového hnutí secese, které je nám známé jako secese. Tento styl je založen na odmítnutí tradičního obřadního umění a pokusu vnést do každodenního života krásu přírody, nové formy a výrobní technologie a učinit z každého předmětu umělecké dílo. Zakladatelé tohoto stylu hlásali jednotu člověka a jeho prostředí, včetně interiéru, architektury, umění.

Secesní styl, na rozdíl od ostatních, je jasně omezen časovým rámcem: konec 80. let - 1914. Jeho charakteristické rysy jsou:

• hladké, bizarně zakřivené čáry (jeden z charakteristických tahů, kterému se říká „bičování“) a zakřivené povrchy,
• tlumené, blízké přírodním barvám: modrá, bílá, béžová, olivová, stříbrně šedá, bledě fialová;
• tlumené osvětlení, tlumené lampami z barevného skla a vitrážemi;
• použití přírodních materiálů a jejich kombinací: sklo, kámen, keramika, dřevo, kov, tkaniny;
• hlavním tématem dekorace je příroda: krajiny, rostlinné a květinové vzory, hmyz a ptáci. 

V moderní době má symbolika zvláštní roli. Každá kresba není jen obrazem, ale také myšlenkou umělce vyjádřenou symboly, barvami a kompozicí. Obrazy květin a rostlin nesou své sémantické zatížení: orchidej symbolizuje nádheru, luxus a lásku, kapradí - mír a ticho, růže - krásu života, lilie - čistotu a čistotu, hortenzii - skromnost a upřímnost, iris - světlo a naději, klematis - něhu, bodlák - odvaha a statečnost. Pupen, jako symbol zrodu života, se stává jedním z nejrozšířenějších prvků kresby v secesi.

Obraz máku se často nalézá a označuje přechod mezi spánkem a realitou, životem a smrtí. Jednotlivé kytice jsou upřednostňovány před kyticemi, které byly v minulých stoletích tak populární. Existuje móda pro výrobky, které napodobují květinu ve sklenici vody.

Ornament si získává zvláštní popularitu díky docela rozeznatelnému, ale konvenčnímu obrazu rostlin. Stylizované vodní rostliny s úzkými dlouhými stonky a listy - lilie, lekníny, rákosí - vytvářejí náladu klidného toku života. Křivky obrysů zdůrazňují dynamiku - růst a pohyb rostlin. Fantazijní obrysy květu, kontrastující s linearitou listů a stonků, zdůrazňují jejich krásu a luxus - kosatce, orchideje, cyklámeny, chryzantémy, růže atd. Iris se stává secesním znakem. Často používají obrazy lesních květin - konvalinek, kupavek, pampelišek, bodláků, chrpy, se zaměřením na kouzlo jednoduchosti a každodenního života.

Standardem secese byla kresba Hermana Obrista (1895), která zobrazuje cyklámen se zdobenou zakřivenou stopkou. Charakteristická kontura ohybu dostala dokonce své vlastní jméno - „rána bičem“ - a později ji aktivně používali umělci.

Květinové secesní hnutí, secese, vzniklo ve Francii a jeho centry se staly Paříž a Nancy. Paris byla lídrem v architektuře, Nancy - v dekorativním a užitém umění (zejména ve výrobě nábytku a skla). Podle kánonů stylu by umění mělo obklopovat člověka vždy a všude, každý objekt by měl být zároveň jedinečný. Po těchto přikázáních následovali mistři secese, kteří položili základ pro šíření nového stylu.

Jedním z těchto mistrů byl slavný architekt Emile Guimard. Pařížané a turisté dosud obdivují propracovanost a stručnost designu vchodů do pařížského metra, vytvořeného podle jeho projektů. Dokázal dát kovovým konstrukcím tvar živých rostlin. Taková díla, „oživená“ přirozenou formou, se nazývají organogenní.

Domy postavené podle návrhů Guimarda v Paříži a Schechtel v Rusku mohou sloužit jako příklady secesní architektury. Při propagaci tohoto stylu hrály velkou roli mezinárodní pařížské výstavy, které se těšily velké popularitě a autoritě. Počet návštěvníků pařížských výstav dosáhl 51 milionů lidí. Jeden z Guimardových domů - hotel Beranger - se stal předmětem mezinárodní výstavy v Paříži v roce 1898.

A výstavní pavilon Bosny a Hercegoviny v roce 1900 navrhl další secesní mistr - Alfons Mucha, jehož divadelní plakáty s ženskými postavami v splývavých šatech a květinovými ornamenty se staly kánonem stylu.

Cílem secese je vytvořit pohodlné a krásné životní prostředí. Proto je v módě komplexní design budov ve stejném stylu - od střechy po poslední hřebík. Architekt navrhuje budovu zevnitř ven, nejprve tvaruje interiér a teprve poté přejde k návrhu fasády budovy, která se často stává asymetrickou.

Architektura a interiér jsou vzájemně propojeny a spojeny společným stylistickým výrazem. Jedním z charakteristických rysů secesních budov jsou keramické mozaikové panely. Tak jsou často zdobeny vlysy domů. Jednotný styl interiérové ​​dekorace vede k vytvoření jedinečných souborů, včetně stropů, lamp, stěnových panelů, nábytkových sestav a parketových podlah.

V některých případech umělci, kteří vytvářejí harmonické životní prostředí, zcela rozvíjejí nejen interiér, ale dokonce i domácí oblečení majitelů. Na této vlně se objevují přední osobnosti, které podléhaly všemu: od katedrály Sagrada Familia po ozdobu lavice, od paláce po okenní šroub v ní .

Nábytek tohoto období se vyznačuje velkým množstvím různých platforem - polic, stolů a dalších - pro umístění dekorativních prvků. Secese však našla maximální výraz v dekorativním a užitém umění. Myšlenka růstu a rozvoje - klíč ve filozofii secese - činí z rostlin nejpohodlnější a nejvýraznější motiv pro výzdobu. Secese se nesnaží o trojrozměrný obraz, dává přednost bizarním plochým vzorům, což usnadňuje přijatá konvenčnost zobrazování rostlin.

Sklo se stává jedním z nejoblíbenějších dekorativních prvků. V této oblasti uspěli a proslavili se Francouzi Emile Galle a Američan Louis Comfort Tiffany. Tiffanyho technika barevného skla si získala zvláštní popularitu. Technologie spojování kusů barevného skla s měděnou fólií umožnila vytvářet světlé a vynikající výrobky. Unikátní díla Lalique a Faberge zanechala nesmazatelnou stopu v klenotnickém umění tohoto období. Velikonoční vajíčka Faberge „Clover“ a „Lilies of the Valley“, která vždy potěší publikum, jsou živým příkladem secesního květinového trendu. Celý povrch jetelového vajíčka je souvislou ozdobou jetelových listů.

Emile Halle (1846-1904) byl v čele secese. Odborné vzdělání designéra doplnil hlubokými znalostmi filozofie a poezie symboliky, botaniky a biologie. Později budou tyto znalosti ztělesněny v jeho pracích s podrobnostmi obrazu rostlin a filozofickým chápáním přírody. Znalost poezie symboliky mu umožní nejen jemně cítit, ale také vplést linie svých oblíbených básníků - C. Baudelaire, S. Malarmé, P. Verlaine, F. Villon - do svých produktů, které mu přinesly slávu jako autora „mluvícího skla“.

Galle na vrchol své slávy přivedly vázy z vrstveného skla. Na pařížské mezinárodní výstavě v roce 1898 byla jeho díla oceněna zlatou medailí výstavy a jejich autor byl vyznamenán Řádem čestné legie.

Na kresbách a ozdobách jeho děl jsou často obrazy deštníku, divokých orchidejí, levkoi, svlačců, listů jeřábů a rybízu, stejně jako orientální motivy s borovicovými větvemi a šiškami, sakurou, ptáky a rybami.

Ve vázách Galle je 2 až 5 vrstev barevného skla (obvykle tři), které vytvářejí různé odstíny. Vícevrstvý obrobek byl leptán, v důsledku čehož se objevil volumetrický průsvitný vzor, ​​jako na portrétech, který byl zdokonalen pomocí gravírování. Tato technika „cameo glass“, která proslavila Halle, byla vyvinuta ze starověké čínské technologie vrstveného vyřezávaného skla. Vázy s galerií jsou vždy těžké, s leštěným diskem ve spodní části, což vám umožňuje vidět vícevrstvou strukturu produktu. Galleho díla jsou plná romantických krajin a ozdob květin, ovoce, bylin a hmyzu a vytvářejí dohromady jedinečný vzor, ​​do kterého je organicky vpleten autorův podpis.

Original text

Contribute a better translation

---

V roce 1900 dosáhl Emile Halle vrcholu své slávy. Ani jeden dům, který si sám sebe váží, bez ohledu na úroveň bohatství by se bez jeho produktů neobešel. Halle rozdělil produkty své továrny do tří kategorií: sériové, vyráběné v průmyslovém oběhu, malé nebo „pololuxusní“ (bohaté na demi), jak se tomu říkalo, vyráběné v malých dávkách, a exkluzivní (Pieces uniques - jedinečné výrobky) nebo „luxusní“, vyráběný sám sám Galle v jedné kopii, jako je váza s drakem. 

První rumunská královna Elizabeth byla fanouškem a patronkou Galle, která otevřela pobočku své továrny v Rumunsku. Unikátní vázy osobně darované autorem (jako Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight) položily základ sbírky rumunského královského domu.

Vynikající sbírka Galleových děl je uložena v budově generálního štábu petrohradské Ermitáže. Nicholas II a Alexandra Feodorovna byli také fascinováni prací Halle v letech 1896-1900. Císařovny byly komnaty zdobeny jeho výrobky. Je známo, že si speciálně vybrala svůj stůl, aby na něj umístila vázu s plamének, a Nicholas II dostal jako dárek od Lorraine dárkové vázy s růžovými orchidejemi. Některé z výrobků Galle na objednávku Alexandry Feodorovny byly Fabergeem zasazeny do stříbra.

Vázy Galle vystavené na světové výstavě v Paříži v roce 1900 získal baron A.L. Stieglitz, jehož sbírka po revoluci znásobila poklady Ermitáže.

Elektřina, novinka na konci 19. století, dala impuls novému dílu Halle - prvním skleněným stínidlům a objímkám. Vyrobené technikou intarzie nebo portrétu, osvětlené zevnitř a tlumeným světlem, udělaly na trhu šplouchnutí. Mnoho modelů stolních lamp bylo vytvořeno společností Halle ve spolupráci s Louisem Majorelle, který vyráběl umělecké rámečky na sklo.

V roce 1901 byla z iniciativy Halle vytvořena Alliance Provinciale des Industries d'Art, která spojila malé místní dílny produkující dekorativní a užité umění a dala podnět k rozvoji uměleckého průmyslu v celém regionu.

Později byla Aliance pojmenována School of Nancy (L'Ecole de Nancy), podle názvu umělecké školy designu vytvořené v Alianci a existující více než 10 let. Název „School of Nancy“ se v průběhu času stal centrem výroby secesních produktů. Znakem školy byl Lorraine kříž a bodlák, symbolizující vytrvalost.

Obrovská rozmanitost prvotřídních uměleckých děl vytvořených členy Aliance si získala slávu školy na mezinárodních výstavách a veřejném uznání v Německu, Velké Británii, Belgii, Itálii, Americe a Rusku.

Úspěch Halle byl nakažlivý. Jeho příklad následovali bratři Domové, členové Aliance, jejichž sklárna Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy ”stále vzkvétá. Od roku 1889 zahájili průmyslovou výrobu váz s rostlinnými vzory. Jejich výrobky se vyznačují naturalističtějším obrazem. Seznam metod zpracování byl prakticky stejný jako u Halle, hromadné výrobě chyběla pouze propracovanost odstínů a přetékání barev. Skleněné vázy a lampy Cameo byly nejoblíbenější z jejich produktové řady.

Poté, co Galle dosáhl popularity pomocí portálového skla, nemohl zůstat stranou od vytváření nábytku. Vzhledem ke složitosti zpracování byl vytvořen pouze jako jedinečný nebo „semi-luxusní“, podle gradace samotného Galleho. Nábytek byl vyroben z růžového dřeva, dubu, javoru, ořechu, ovocných druhů - jablko, hruška. Mistr dal přednost místním druhům stromů rostoucích v Lotrinsku. Reliéfní vložka s různými druhy dřeva a povinné ruční zpracování detailů rozlišovaly jeho výrobky. Na výzdobu Galle použila přírodní motivy, motýly a vážky. Podle jeho názoru „výzdoba moderního nábytku, úzce spojená s přírodou, nemůže zůstat necitlivá vůči šlechtě přírodních forem.“

Kromě intarzií se v jeho dílech objevuje mnoho vyřezávaných prvků. Tvar se často stává asymetrickým a poprvé mají nohy předmětů podobu vážek nebo žabích nohou nebo jsou zdobeny květinovými ornamenty.

Rok 1909 byl posledním rokem, kdy byla společně vystavena díla členů školy v Nancy. Secese se svými sofistikovanými a drahými kousky, které hledaly exkluzivitu, ustoupila ekonomicky životaschopnějšímu stylu Art Deco s masovou výrobou levných uměleckých děl.

V roce 1964 bylo otevřeno Muzeum školy v Nancy. Většina exponátů muzea je ukázkou jedinečného nábytku, vitráží a secesního skla. Zahradu muzea zdobí dubové dveře do dílny Galle, vyrobené v roce 1897 truhlářem Eugenem Wallenem. Je zdobena vyřezávanými kaštanovými listy a heslem Emile Galle „Moje kořeny jsou hluboko v lese“, které odráží veškerou jeho tvorbu.

Na konci 90. let škola obnovila svoji existenci a rok 1999 byl vyhlášen rokem školy v Nancy. V roce 2013 se ve Velkém paláci Tsaritsyno Museum-Reserve uskutečnila výstava „Emile Galle. Glass Rhapsody “, kde se člověk mohl seznámit s Galleho dílem.

Postupem času se květinový trend secese, nesoucí myšlenky obnovy a krásy v každodenním životě, začal spojovat se secesí obecně. Stylizovaný obraz květin a bizarně zakřivené linie nás pokaždé vrací do doby stříbrného věku a dává nám radost z komunikace s přírodou a uměním.